Mario Breuer, el ingeniero del rock nacional

Mario Roberto Breuer es ingeniero de sonido y productor discográfico. En sus más de 40 años de carrera dentro de un estudio de grabación definió el sonido de los discos más icónicos de artistas de la talla de Charly García, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Soda Stereo, Fito Páez, Andrés Calamaro, Los Fabulosos Cadillacs, Luis Alberto Spinetta, Sumo, Los Abuelos de la Nada, entre otros tanto.

Su particular labor, que básicamente se puede sintetizar en grabar y lograr "ese" sonido final que el músico busca para sus canciones, es una pieza fundamental dentro de la industria de la música. Un lugar de privilegio, de intimidad con el artista, que lo convierte en un elemento clave y de suma importancia en el proceso final de realización de un disco.

Tanto años de trabajo lo han colmado de sabiduría, pero también de anécdotas. Es por eso que Mario decidió compartirlas. Primero, en 2017, publicó su libro "Rec&Roll. Una vida grabando en el rock nacional", donde cuenta las historias detrás de muchos discos emblemáticos del rock nacional.

Luego, fue por más. Junto a Dany Jiménez, uno de los periodistas especializados en música más importantes del país, unieron fuerzas para contar la historia del rock de una manera diferente. Así nació "Viaje a la historia y el sonido, 60 años de Cultura Rock", un espectáculo cultural musical que recorre seis décadas de este particular género que trascendió lo sonoro. Un viaje a la historia y al sonido de las canciones que forman parte de la banda sonora de nuestras vidas.

Previo a la presentación de su espectáculo en Mendoza, que será este sábado a las 21:00 en Cervecería 23 Ríos, Breuer charló con MDZ sobre su historia, su método para grabar, su vínculo con los artistas y lo que considera fundamental a la hora de encarar un proyecto musical.

- ¿De qué va este particular espectáculo que estás haciendo junto a Dany Jiménez?

La idea central es contar la historia del rock desde otro lugar y hacerlo de una manera amena. Por eso es un espectáculo. Dany, que es un académico del rock, un tipo que tiene un conocimiento increíble sobre el tema, va ubicando cada canción en su contexto socio político y le va sumando la historia de cada artista. Por mi parte, voy explicando cómo fueron grabadas esas canciones, cuándo apareció el negocio, las nuevas tecnologías, los distintos soportes. Cómo pasa el rock de ser un género musical a convertirse en cultura.

- De estos 60 años de historia de rock, ¿tomás conciencia que fuiste protagonista al menos de los últimos 40 años dentro del rock nacional?

Si, la verdad que ya pasaron muchos años. Yo siempre traté de ser muy consciente del aquí y ahora. Me pasa que los últimos 40 años están tan llenos de momentos increíbles que es muy difícil dimensionarlo. Creo que el momento más importante es ese donde estoy grabando. Hay muchos momentos donde la música se presenta de una manera muy verdadera, mágica.

- ¿Como por ejemplo?

Trabajar con Charly fue maravilloso. Se laburaba mucho y a buen ritmo. Él compartía mucho el factum de grabar. Dentro del estudio nos manejábamos con un idioma muy personal. Usábamos muchas palabras o apellidos de referencia. “Este tema lo vamos a hacer con una batería “dontchu”, haciendo referencia al sonido de la canción “Don't you” de Simple Minds; o vamos a grabar una canción muy “Taylor”, por James Taylor. Y con esas referencias, yo ya sabía el sonido que Charly buscaba.

Haber grabado “Parte de la religión” fue muy importante. Lo que hicimos con Soda Stereo en “Ruido blanco” también, donde me dieron libertad total y me fui a buscar un estudio al medio del Caribe. La grabación del disco de Don Cornelio y la Zona fue muy especial. Pero son tantos años y tantos artistas que cada uno tiene su importancia.

- ¿Cómo hacías para trabajar con estos grandes músicos siendo todos tan distintos entre sí?

Yo he sabido aplicar la psicología del estudio de grabación. Mantener al artista de buen humor, inspirado, tener a mano todo lo que pueda estar vinculado con sus caprichos y rabietas. En síntesis, tratar de tener una buena relación. A partir de ahí, cada artista es diferente, particular y te propone distintas maneras de trabajar. Yo tengo un par de reglas para grabar, después, me adapto muy bien a todo lo demás. Lo fundamental es grabar discos que se parezcan al artista, no a mí.

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Nacido en 1956 en Buenos Aires, Mario es el más chico de tres hermanos. Sus padres húngaros llegaron al país en la década del 30 con la excusa de traer unos trenes que había comprado la empresa ferroviaria argentina.

Su relación con la música comenzó de muy pequeño. Su papá pasaba horas escuchando música clásica y compartía con sus hijos esas maravillosas melodías de clásicos como Vivaldi, Beethoven y Mozart, entre otros. Pero entrada la década del 60 todo cambiaría. Los Beatles sonaban en todos lados y Mario decidió a los 9 años que quería tocar la batería. A los 12, con un grabador de cinta ancha y un tocadiscos, comenzó a poner música en fiestas de amigos. La música era su lugar en el mundo.

Terminada la secundaria comenzó a buscar trabajo para bancar sus gastos, que básicamente eran comprar vinilos. Así fue como un amigo del barrio, el Negro Alex, le contó que su abuelo estaba buscando un cadete para el sello discográfico Fonema. Se presentó a la entrevista y quedó. Aquí es donde comienza la carrera de Breuer en el negocio de la música.

- Contame sobre ese primer trabajo en Fonema y cómo influyó en tu vida

Tenía 19 años. Fue mi primer trabajo en el mundo de la música. Empecé como cadete armando los paquetes que había que entregar en las disquerías. A la mañana hacía los bancos y a la tarde me mandaban a hacer los cobros. También iba a la fábrica de RCA a buscar los vinilos recién hechos. Mientras tanto, ellos estaban intentando conseguir una financiación para hacer el primer estudio de 24 canales de la Argentina. Aprendí mucho. Luego pasé a una compañía más grande, la EMI Odeón. Luego, volví a Fonema cuando consiguieron armar el estudio. Y después, con toda esa experiencia, me llamaron de Capitol Records. Pero sí, Fonema fue donde realmente empezó mi carrera en el negocio de la música.

- ¿Cuándo te diste cuenta que tu lugar en la música era detrás de una consola?

Yo todavía era cadete en Fonema. Una mañana me llamó Iván Cosentino, uno de los dueños, y me dice: “Mario, vaya a limpiar el cuarto del fondo”. En el cuarto del fondo había un estudio, con una consola y unos parlantes marca Undinap. Y ahí me di cuenta que yo no quería salir más de ese cuartito del fondo.

- ¿Cómo definirías tu trabajo como ingeniero de sonido y productor discográfico?

Son roles que pueden realizarse por separado, dos personas diferentes, o en simultáneo a cargo de una misma persona. Básicamente, el productor es el que decide cómo tiene que sonar una canción y el ingeniero es el que interpreta las indicaciones y lo lleva a cabo. Como ingeniero, es fundamental saber manejar las herramientas del estudio de grabación, pero también tenés que poder interpretar las indicaciones en el caso de que no sean tan precisas. Por ejemplo, hay productores o músicos que te dicen: “ quiero que el bombo suene más azul” o “podés hacer que la guitarra suene más alegre”. Pero también están los más versados en el tema: “quiero una guitarra estereofónica que de un lado esté completamente limpia y del otro tenga un chorus muy suave y un delay en negras con un pre delay de 225”. El ingeniero es el que logra llevar todos estos pedidos a la realidad.

- En la actualidad, con la llegada de las nuevas tecnologías, muchos piensan que la música suena toda igual. ¿Es así realmente?

Depende de los estilos musicales. Creo que dentro de la música urbana hay un montón de códigos sonoros que nadie quiere romper. Siempre tiene que ser un “bombo gigante”, la voz debe estar intervenida con Auto-Tune y el sonido final tiene que ser muy poderoso. Hay muy pocos artistas dentro del género que hacen algo distinto al resto, y por eso se diferencian. Catriel y Paco Amoroso, por ejemplo, se presentan en vivo con un formato banda y rompen con el molde dentro del género. Son de esos artistas que, por un lado muestran un disco que suena increíble y que tiene un formato, y cuando te vas al vivo tienen otro formato. Te sorprenden de otra manera.

- Con tantos años de experiencias has logrado identificar distintas falencias que tienen los músicos a la hora de grabar un disco. Es por eso que también llevás adelante un compromiso desde lo pedagógico con tus cursos que son un verdadero éxito.

Es así. Hoy en día estoy con dos cursos que son muy interesantes para todos aquellos que están dentro de la música. Uno es sobre cómo profesionalizar tu home studio y el otro sobre ayudarte a encontrar lo que yo llamo “tu huella sonora”.

Hoy en día la institución del home studio es maravillosa. Con tan solo una computadora muchos artistas están grabando sus canciones y son grandes talentos. Entonces, me propuse poder dar una guía de cómo seguir. Si empezaste con una computadora en la habitación de tu casa, y ahora querés armarte un poquito mejor, te doy la data para profesionalizar tu home studio. Una guía básica de lo que tenés que tener para dar un paso más.

En cuanto a encontrar tu huella sonora, básicamente es lograr que descubras tu personalidad en términos de arte. Doy un montón de consejos, desde mi lugar como ingeniero y productor, de cómo hacer para descubrir tu sonido, qué es lo que te caracteriza a vos, qué te diferencia del resto. Acá está la clave de la cuestión, hacer algo distinto… ser vos mismo.