Miguel Ángel y la Sixtina: todos los geniales secretos

A dos décadas de la restauración más larga y polémica de este templo, habla el responsable del trabajo, quien "vivió" 14 años maravillado entre andamios y frescos.

La restauración más importante y discutida del siglo XX, realizada entre 1980 y 1994 sobre los frescos del Juicio Universal de Miguel Angel en la Capilla Sixtina, reveló el uso extraordinario del color en sintonía con el gusto del siglo XV, las audaces elecciones estilísticas del artista para lograr profundidad y la adopción de técnicas capaces de salvaguardar durante siglos su obra maestra.

A casi 20 años de terminado el trabajo, habló sobre lo realizado Gianluigi Colalucci, jefe restaurador del Laboratorio para la Restauración de los Monumentos Papales, durante una jornada organizada en Roma para el quinto centenario de la Bóveda Sixtina.

"Estuve 14 años sobre aquellos andamios -contó Colalucci- y pude captar de cerca la singularidad de la pintura de Miguel Angel, que se reveló en esta controvertida restauración", según cuenta Nicoletta Castagni en una nota del portal de Ansa.

Los primeros ensayos fueron efectuados en las lunetas, haciendo surgir de inmediato el esplendor de colores, oculto durante siglos.

Una experiencia que ya se había intentado en 1936, pero "los tiempos aún no estaban maduros" para liberar los frescos de Buonarroti de la capa de polvo, humo y cola animal usada en el pasado para reavivar el color, "una modalidad que al fin y al cabo convertía a la obra maestra de Miguel Angel casi en monocroma".

Por otra parte sobre esas tonalidades amarronadas, casi sin color, se formaron generaciones de artistas, historiadores, críticos.

Por tal motivo -reiteró Colalucci- fueron decisivos los primeros ensayos de limpieza y el consecuente impulso para seguir adelante con el proyecto de restauración.

Lo que surgía con prepotencia era el colorismo de Miguel Angel, en línea con la pintura del siglo XV y el valor que se le daba a lo cromático.

La intervención sobre la película pictórica, que estaba sucia pero en óptimas condiciones, hizo descubrir además la técnica usada por Buonarroti para inundar de color la Sixtina, respondiendo a la voluntad pontificia.

Primero se pensaba que Miguel Angel había comenzado a pintar al fresco para luego seguir en seco: en cambio, la investigación más profunda realizada sobre los andamos mostró que el artista optó por la técnica del "buen fresco", trabajando solo sobre porciones de yeso recién colocado y completando cada sección de la pintura con la capa todavía fresca.

En cuanto a la transferencia del dibujo, Miguel Angel no usó cartones sino que adoptó la técnica del espolvoreado y el grabado indirecto, como atestigua la mano de Adán tendida hacia el creador.

En las lunetas, en cambio, Buonarroti ejecutó el dibujo preparatorio a mano alzada y así también fue con la famosa piel de San Bartolomé.

Toda la pintura de Miguel Angel en la Sixtina está pensada, atentamente calibrada "como una arquitectura" a partir de la elección preestablecida de los colores entre aquellos capaces de no alterarse por la técnica del fresco.

La Capilla Sixtina revela, sobre todo, una concepción de la pintura muy cercana a la escultura: "Sus superficies son porcelanadas como el mármol y las pinceladas son legibles, parecen los golpes de cincel sobre las estatuas".

Luego Colalucci habló de las técnicas usadas por Miguel Angel para dar profundidad a la Bóveda: "El maestro no recurrió a veladuras o claroscuro, que los detractores de la restauración nos acusaron de querer hacer desaparecer con la limpieza, sino que ideó varios efectos ópticos semejantes a los de la fotografía para conferir tridimensionalidad a las imágenes".

Así la parte de la figura que quería resaltar se realizaba de modo nítido y se desenfocaban los detalles cercanos: una técnica que Miguel Angel usó también en la pintura fluida y dramática del Juicio Universal.

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