¡Un genio por ahí!: Frank Zappa

Leandro Mattanó es nuestro historiador del rock y esta vez trae otra historia espectacular.

 

¿Cuántas  veces escuchaste su nombre? ¿Cuántas veces te dijeron que era un genio? ¿Cuántas veces fue citado como lo más original y auténtico del rock? Pero, con la mano en el corazón: ¿cuántas veces escuchaste un disco entero de Frank Zappa? ¿Qué tema que no sea “Bobby Brown Goes Down” escuchaste de él alguna vez en la radio? ¿Qué discos  conocés de Frank Zappa?

Hoy nos meteremos un poquito, porque su trayectoria es inabarcable, en la historia del hombre del que tanto se habla y poco se escucha: Frank Vincent Zappa.

En el panteón del rock ocupa un lugar solo reservado para poca gente. Fue un ejemplo de honestidad, de amor por el arte, y un innovador. Tenía gustos personales “diferentes” a todo lo que había en su época. Y poseía una característica  distintiva: todo lo hacía con un sentido satírico, irónico y por sobre todo, con mucho humor.  A los 15 años leyó un artículo sobre un disco de sonidos raros, disonantes y terribles, y supuso que eso le iba a gustar.  El disco era de Edgar Varese, cuando lo compró, la cara “científico loco” de Varese en la tapa del disco lo entusiasmó más aun. 

Su otro disco base fue “La Consagración de la Primavera”, de Igor Stravinsky.  Estos gustos, mezclados con sus orígenes (sicilianos y árabes), explotaron en una inmensa catarata de sonidos, que mezclados con el rock, dieron el sustento mágico que tuvo toda su obra.

Imposible en este ensayo describirla entera, sólo trataremos de resaltar sus conceptos, la importancia de la misma, y sus discos  principales.

Pasó por varios grupos (tocaba la batería primero) hasta llegar a sus  “Mothers of Invention”, que fueron pergeñados en el glorioso “Studio Z”, el estudio de grabación que Zappa puso en Cucamonga, un lugar pequeño de California, donde se había ido a vivir con su amigo “Motorhead” Sherwood.

No tardó en juntarse otro viejo amigo, Don Van Vliet, luego conocido como Captain Beefheart, y luego se incorporó Jimmy Black a la batería. Con Roy Estrada, bajista y cantante, se completa la banda y en 1964 se ponen “The Mothers” para luego pasar a ser las queridas “Madres del Invento”. Su primer disco salió en 1966, “Freak Out”, ya con Ray Collins y distintos integrantes, y marcó un antes y un después en la historia del rock. La formación de los “Mothers” fue siempre dinámica, pero siempre se trató de Zappa y sus secuaces. Hasta que a fines de los sesenta, paralelamente, encaró una carrera solista que no paró hasta su triste muerte.

Fue el símbolo de la lucha contra el orden establecido, nunca transó con nada ni con nadie. Su música fue siempre producto de la libertad ejercía sobre toda su vida. Mezcló Jazz, Blues, Doo Woop, Musica Clásica, Rock, con unas armonías únicas. Satirizó a la forma de vida estadounidense como nadie lo hizo. Luchó contra el “Parents Music Resource Center” declarando en el Senado de EEUU, le dio vuelta a todas las formas musicales convencionales, fue un salvaje opositor al consumo de drogas , un crítico del comunismo, y también de “flower Power“ y de los hippies. Fue director de su orquesta, y las distintas versiones de sus “Mothers”, y de sus bandas solista, fueron una usina de músicos increíbles, destacándose, entre muchos, el gran Jean Luc Ponty, un gran violinista; Captain Beefheart, su amigo y solista, recientemente fallecido; Adrian Belew, gran guitarrista descubierto por Zappa y “robado” de su banda por David Bowie, quien al verlo tocar en vivo con Zappa (sí, Bowie iba a ver a Zappa) lo invitó a dejar la banda de Zappa y unirse a la suya, cosa que hizo, para luego ser partícipe de las últimas versiones de King Crimson; Aynsley Dunbar en la batería, que lo acompañó por muchos años; Chester Thompson, otro baterista genial que luego se fue al Génesis de Phil Collins, Steve Vai (gran guitarrista) y muchos más. 

Si bien Zappa tuvo influencias, y admiró a algunos de sus pares (por supuesto a los Beatles),  nunca se estupidizó con ninguno, pero muchos artistas, aún siendo Zappa despreciado por la industria discográfica, se desesperaban por hacer algo con él:  Paul Simon, John Lennon (quien participo con Yoko Ono  en un “vivo” en el Fillmore West con Zappa,  y luego puso las cintas en su disco “Some Time in New York City”, lo que no cayó del todo bien en Zappa, porque no figuró en los créditos);  Joni Mitchell, Jimi Hendrix, Sting, son algunos de los músicos que lo admiraban. Y otros músicos iban a verlo cuando tocaba: la letra de “Smoke on The Water” de Deep Purple nace a raíz de un ya conocido episodio en el medio de un concierto de Zappa, que provocó la musa inspiradora de dicho tema. Pero no sólo se le incendió el escenario y todo el lugar a Zappa, también fue salvajemente golpeado en otro escenario unos días después por un fan, al cual Zappa, presuntamente le miraba la novia en medio del show, lo que Zappa luego negó. Producto de los golpes, cayó 5 metros abajo del foso de la orquesta, gravemente lesionado, quedo a raíz del evento con una pierna más corta, y se le fracturó la laringe, lo que hizo que su voz quede más grave todavía de lo que la tenía. 

Epicas fueron sus luchas con Warner, su discográfica de los 70, para poder desligarse de la misma a raíz de la explotación comercial que sufría. Lo logró judicialmente, como correspondía. Su sentido del humor e ironía, quedó plasmado en “The Simpsons”, la serie de dibujos animados más exitosa de todas, ya que Matt Groening confesó varias veces ser fan acérrimo de Zappa y admitió que gran parte del humor de Homero y compañía fue extraído de la personalidad de Zappa.

Su discografía oficial tiene 64 discos entre 1966 y 1993.  Destacan  “Lumpy Gravy”, de 1967, donde Zappa reluce su pasión por la música clásica;  con “Cruising With Ruben & The Jets”, de 1968 homenajea al “doo-woop”, al rhythm & blues, haciendo la música que le gustaba en su adolescencia.  En 1969 “Hot Rats”, lo que se podría decir su primer álbum solista, fue un hito en su carrera, todo instrumental, salvo un solo tema que canta su amigo “Captain Beefheart” (Willie The Pimp). Destaca en este álbum el tema “Peaches in Regalía”, una genialidad que acompaño a Zappa toda su vida como ejemplo de lo que es su música. En “Absoluty Free”, tenemos “Plastic People”, que ilustra un poco su  originalidad.

Ya en 1972, “The Grand Wazoo” nos presenta un Zappa orquestal, con la homónima The Grand Wazoo Orchestra,  que libera sus fusiones con instrumentos y música clásica.

Su indispensable “Apostrophe” de 1974, un disco con una variación músical increíble: funky,  Blues, y rock puro. Recomendable para empezar a disfrutar de Zappa.

A fines de la década de los 70, tuvo una época esplendorosa. “Sheik Yerbouti”, que salió en 1979, fue uno de los álbumes más exitosos, el guitarrista Adrian Belew estaba en su esplendor, y el tema “Bobby Brown” descolló. Pero sólo en Europa. No fue un hit  de charts americanos (algo impensado en Zappa), solo sonó muchísimo en Europa, por estos lares también, y fue la canción que le abrió el camino a nuevos fans en los 80. Pero jamás diríamos que es un tema comercial, ni que Zappa haya traicionado alguna convicción.  Lo que sí debe decirse es que ese tema satirizó la forma de vida americana como ningún otro tema de Zappa y que fue el tema más escuchado en toda su carrera.

Luego, a fines de 1979 salieron los “Joe´s Garage”, Acts I, II, y III, una especie de ópera rock de tres actos, con canciones accesibles,  divertidas y se constituyo en uno de los discos favoritos de sus fans.

Hubo muchísimos discos más en los 80, pero en 1986 destacó, por su facción original, “Jazz from Hell”, un disco hecho totalmente, menos un tema, con el Synclavier (un sintentizador digital de sonidos y samplers, con el que se podía hacer y editar, cualquier cosa, cualquier sonido e instrumento), que, como paradoja, le trajo a Zappa su primer Grammy, como álbum de Rock Instrumental. Algo que no cuadró bien en nada y que descolocó a todos los críticos y fans.

Mientras todo esto ocurría, Zappa iba compilando de una manera arbitraria, no cronológica, y como saliera,  todo lo que encontraba respecto al lugar en que mejor se sentía en el mundo: el escenario. Recopiló los famosos “You Can´t do That Onstage Any More” (No puedes volver a hacer eso en el escenario), una gran serie de 6 discos dobles,  que repasa los 20 años de todas sus presentaciones en vivo. El Primer Volumen salió en 1988 y el Sexto en 1992.  Y acá esta todo Zappa, disfrutable, divertido y en vivo.

Pero había más. Una de las mejores formaciones musicales orquestales, la Ensemble Modern, estaba detrás de la música de Zappa desde hace años. Se juntaron en 1992, y en el Alter Oper de Frankfurt, en el Philharmonie de Berlín, y en el Wiener Konzerthaus de Viena, experimentaron juntos lo que pudo Zappa (unas pocas apariciones para dirigir, donde fue aplaudido por más de veinte minutos seguidos), y eso dio a luz al último disco de Zappa en vida: “The Yellow Shark”. Verlo a Zappa en la foto de tapa de dicho disco, totalmente desmejorado, con una imagen muy débil y triste, anunció el final.

Zappa se sentía hace tiempo mal, y solo le habían diagnosticado piedras en el riñón. Pero en 1990 le descubrieron un cáncer de próstata que hacía 10 años se estaba desarrollando, y ya era incurable. Le dieron poco tiempo de vida, y sin embargo siguió luchando y haciendo música durante tres años más.

El 4 de diciembre de 1993, su mujer y sus hijos dieron el siguiente comunicado a la prensa: “El compositor Frank Zappa salió hacia su última gira poco antes de las seis de la mañana del sábado”.

Una gira eterna, que todos seguimos disfrutando.

Opiniones (1)
21 de octubre de 2017 | 08:26
2
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21 de octubre de 2017 | 08:26
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  1. Que buena nota. Agrego a los discos imprescindibles de Zappa los siguientes: Over-Nite Sensation (1973), Zoot Allures (1976) y el terrible blues "Torture Never Stops", Zappa in New York (1978), Tinseltown Rebellion (1981), You Are What You Is (1981) y Them or Us (1984). Gracias por el recuerdo
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