Socorro Cubillos

"Lamento quiénes dirigen la cultura de Mendoza"

Licenciada en Historia del Arte y ex directora del museo Emiliano Guiñazú, Casa de Fader.

Socorro Cubillos es Licenciada en Historia del Arte y acaba de terminar una maestría en Arte Latinoamericano, “pero no tengo resuelto si voy a hacer la tesis; ni siquiera tengo totalmente definido un tema”, confiesa con naturalidad, pues, en el fondo, se intuye que a esta altura no tiene que rendir examen ante nadie.

Ha sido, también, directora del Museo “Emiliano Guiñazú”, Casa de Fader y generadora y curadora durante cinco años del Espacio de Arte de la Universidad Tecnológica Nacional, Regional Mendoza, actividad que dejó en manos de la artista plástica Marcela Furlani. Es docente, ha sido guía de museos y uno de sus placeres tiene que ver con el relato de cuentos de escritores famosos y no tanto en espacios no convencionales, como bares y pubs.

Digamos ya mismo que da gusto charlar con alguien que se dedica al arte y de esperar que tal placer se refleje en la lectura por ustedes iniciada.

- ¿Para qué sirve el arte?

- No sé. Es una pregunta difícil de contestar. Ni siquiera sabemos bien qué es el arte. Sin embargo, lo transitamos. Hay para definirlo un contexto histórico que termina determinando las respuestas. El ejemplo claro es que, en algún tiempo, el arte sirvió para enseñar religión. En esos tiempos, el arte era la técnica y ahora no lo es. Yo puedo decir que le da sentido a mi vida y que me hace feliz transitarlo desde mi lugar. Es un alimento que me da algo que ningún otro alimento puede darme.

- ¿Y el arte sigue diciendo cosas nuevas?

- Absolutamente sí. Yo siempre veo cosas nuevas, aun en las viejas obras.

- Sin embargo, da la impresión de que cada vez más las obras lucen parecidas a algo. En la arquitectura, que tiene mucho de arte, se nota cómo ha ido perdiendo su búsqueda de lo nuevo; tal vez después de la escuela de la Bauhaus no hubo nada sorprendente. Es como si en el arte se diera también la teoría de los “no lugares”; los barrios privados son todos iguales por ejemplo…

- Está bien, pero no ocurre eso en los estrictamente artístico. Justamente, hace unos días, he vuelto de un viaje a Europa y, por eso, estoy en condiciones óptimas de rebatir tu teoría después de ver las obras que he visto en los museos, sobre todo, de España. Es notable lo que están haciendo algunos artistas plásticos jóvenes, al menos los que llegan a los museos europeos.

- Entonces, el arte es una excepción.

- Siempre ha habido y siguen habiendo personas que ponen un puñado de arena y una vela encima y te dicen que es una instalación. Del mismo modo, siempre ha habido y siguen habiendo artistas como Miguel Ángel que vuelan por encima de todo un ejército de mediocres.

- Vos no sos artista, pero has dedicado tu vida al arte, como forma de contemplación o quizás de homenaje, a través de generar un discurso de lo artístico. ¿Cómo has hecho para mantener en el tiempo la sensibilidad ante el hecho artístico?

- A esta altura, creo que hay una relación: cuanto más entrenada estás para contemplarlo, más exigente te vas poniendo… Igualmente, te vuelvo al comienzo: yo no tengo respuestas para todas las cosas que me estás preguntando.

- ¿La enseñanza de lo artístico es otro misterio?

- No, para mí no, porque tengo en claro aquello que quiero transmitir y hasta dónde llego en la Historia del Arte y en mis impresiones personales, que sólo son eso, porque la verdad es que me vivo equivocando...

- Habiendo tantas expresiones artísticas y tanta diversidad a lo largo de tantos siglos, ¿quiénes determinan cuál es la Historia del Arte y cuáles hechos no son historia?

- Buena pregunta, saber quiénes van a los libros y quiénes no. Es como tomar la determinación de saber quién va a exponer en mi museo y quién no. La respuesta es que ambas cosas son absolutamente arbitrarias.

- ¿Y vos cómo hacés para darte cuenta que estás frente a algo artístico, histórico, distinto?; ¿Esto también puede ser inexplicable?

- Esto también es un misterio. Después de tantos años, sigo manteniendo ese misterio. Son cosas que se sienten o no se sienten. Hay que confiar en el propio instinto y creer que uno está preparado para descubrir un hecho artístico.

- Hay entonces, un entrenamiento posible para el instinto…

- Sí, lo hay. Y es fundamental el entrenamiento del instinto. Dicho de otro modo, y con absoluta sinceridad, yo considero que el instinto artístico de alguien que no se relaciona habitualmente con el arte no es tan bueno como mi instinto para el arte. Hay que estudiar mucho y saber mirar.

- ¿Esto podría significar que la idea de progreso le compete al arte?

- No el arte está fuera de cualquier idea de progreso.

- Entonces, tal vez le sienta mejor la idea del cambio: el arte cambia, lo que antes era bello ahora no es tan bello y viceversa. La idea de belleza actual es más ambiciosa: incorpora elementos que antes no eran bellos.

- Tal cual: el arte cambia; incorpora cosas nuevas y deja de lado otras por considerarlas viejas.

- En este sentido, la Historia del Arte tiene un antes y un después del Romanticismo, como movimiento que incorpora definitivamente una nueva visión del mundo.

- El Romanticismo fue un antes y un después. Entre otras cosas, incorpora la estética de lo feo y ahora ya es algo normal. De esto se desprende un error fundamental que se suele cometer en estos días: considerar que lo bello “era lo de antes” y que lo de ahora no lo es. Hay gente que gusta de Botticelli, “porque es bonito” o “porque lo entiendo”. Sin embargo, en su época, Botticelli fue un artista para entendidos y si te ponés a estudiarlo encontrás su vinculación con latinos y griegos. Además, se daba otra situación particular: no era un artista que estuviera ante los ojos de todos, sino en las casas de los encargantes de arte. No cualquiera podía estudiarlo. En esto sí hay una idea de progreso: hoy el arte está a disposición de una enorme cantidad de gente que puede estudiarlo y disfrutarlo. Antes esto no sucedía.

- Está bien, pero también es cierto que antes el arte y lo artesanal estaban más incorporados a la cotidianeidad de la gente. Te doy un ejemplo: una vecina de Toledo, en España, camino al mercado, podía ingresar a la iglesita de Santo Tomé y rezar un padre nuestro a un metro de, nada menos, El entierro del Conde de Orgaz, de El Greco.

- Es verdad…

- La idea de conservar lo artístico en museos, si bien antiquísima, cobró fuerte auge en nuestro tiempo, sobre todo cuando ciertos países fuertes comenzaron a robar arte de países más débiles…

- Está bien, pero yo tengo una duda: no sé si esa señora que rezaba al pie de ese cuadro, pensaba que estaba frente a una obra de arte de tanta magnitud. Tal vez ella, mientras rezaba, pensaba que el Conde de Orgaz, que estaba ahí pintado, se iba a ir al cielo porque había sido un buen hombre. No creo que haya tenido una valoración estética al respecto de un cuadro como ese.

- Dejando de lado ejemplos paradigmáticos como el de Vincent Van Gogh, respecto del rechazo social que soportó su obra, el público convivía con esas producciones que hoy nos maravillan a nosotros, ¿por qué no pensar que las valoraban de igual modo?

- No sé… Porque durante mucho tiempo el arte tenía la misión de despertar sentimientos religiosos, durante el medioevo, la Reforma, la Contrarreforma… El arte siempre tuvo otra misión: era usado con un objetivo más allá de lo artístico.

- Está bien, pero si vemos los frescos de Miguel Angel en la Capilla Sixtina, por ejemplo, seguramente a la Iglesia de ese momento le gustó mucho la obra y encontró consonancia con la doctrina católica, pero el artista no tuvo empacho en pintar a Noé borracho, a su hija retándolo y a su hijo burlándose de su padre. No es una imagen muy santa esa y acepta una lectura en contra del rigor eclesial…

- Es que Miguel Ángel fue extraordinario.

- ¿Tanto como para meterle el perro a la Iglesia Católica?

- Absolutamente. Yo estoy convencida de que Miguel Ángel estudió cada detalle de sus pinturas y desarrolló una teoría nueva y nadie se dio cuenta de lo que en definitiva estaba haciendo. Tal vez lo haya conversado con el Papa Julio II, pero yo creo que la mayoría de los observadores se detuvieron sólo a analizar si las pinturas se correspondían con las escenas bíblicas que relataban. Miguel Ángel, en realidad, estaba hablando de un montón de otras cosas que hoy se ven más claramente.

- De hecho, la censura a su mostración de órganos genitales vino después de terminada, con Danielle da Volterra, a quien le ordenaron pintar  velos sobre algunos cuerpos…

- Bueno, esas es una de las pruebas de que Miguel Ángel estaba por encima de todos. Mientras a algunos les preocupaba que se vieran órganos genitales, Miguel Angel les estaba diciendo que todos somos iguales ante los ojos de Dios, cuando todavía no había concilio que aceptara que los hombres de piel negra eran seres humanos y que tenían alma. El pinta en la Sixtina negros, rostros amerindios…

- Fue el primero que los dejó entrar al paraíso... 

- Efectivamente. Por eso, yo pienso que los artistas que han a la historia en la Historia del Arte, han sido seres especiales, que han tenido cosas que el 99,9% de las personas no tienen. Volaban por encima de los demás.

- La pintura es un juego de la luz y al respecto se observan tratamientos especiales de la luz en ciertas épocas, como en el Barroco, especialmente, con una presencia tan fuerte de la luz como de la oscuridad, ¿pensás que esos pintores, como por caso Velázquez, hacían los cuadros que hacían porque la luz con la que convivían los condicionaba a pintar así o ellos tenían en realidad otras intenciones?

- Si bien esos pintores no tenían luz eléctrica, usaban la luz que tenían para ir más allá, para decir otras cosas. Ya que hablás de Velázquez, “Las Meninas”, por ejemplo, es un estudio filosófico del espacio. Es mucho, mucho más que un simple cuadro. Hace un montón de preguntas en espacios que, en realidad, son espacios presentados y espacios representados. Por eso, yo tengo dudas respecto de que el público de esa época haya visto todo lo que el artista les estaba mostrando. 

- En este sentido fue notable como él y otros pintores como Goya pintaron a la nobleza, haciéndole creer que sus figuras eran gallardas, cuando en realidad el tipo se les estaba cagando de risa.

- Tal cual. Vos lo has dicho. Yo no dejo de admirar a Goya. Lo que él consiguió encerrado en su taller, con la serie de los grabados de “Los Caprichos”, es adelantarse a los tiempos sin que nadie se lo pidiera: al realismo y al surrealismo se adelantó, por ejemplo. También hacía crónica social muy fuerte y esas obras eran vendidas en “kioscos”. Y Goya lo sabía, y también sabía que era especial, extraordinario…

- ¿Por qué pensar que los artistas son extraordinarios?

- Yo al menos creo que los grandes pintores, literatos, músicos, son seres especiales.

- ¿Y en qué radica la especialidad, en adelantarse a los tiempos, en abrir nuevas dimensiones de la realidad..?

- Exactamente en eso. En ver cosas que nadie está viendo.

- ¿Y cómo explicás contrastes tan grandes en movimientos casi en un mismo período histórico como el barroco, que es oscuro, íntimo, con el manierismo, que es un estallido irreal del color?

- Hay una necesidad de los artistas de diferenciarse. En el caso del manierismo, tiene una razón de ser, una misión: surge para decir que el Renacimiento se acabó. Dice “acá todas las estanterías se vinieron abajo”; “acá la Iglesia ya no tiene el poder que tiene”, “acá todo está temblando” y eso expresa.

- Pero el Barroco también tenía una misión: ser intrínsecamente reaccionario, negar la Reforma e ideas del Renacimiento…

- Y decir a todos que la Iglesia volvería a ser seria, que la Iglesia es buena, que la Iglesia los iba a salvar. Y para eso utiliza recursos muy emotivos, como la luz y la sombra y el miedo para lograr su cometido. Intenta, incluso, hacer llorar a la gente con sus pinturas.

- Por lo mismo, no es caprichoso que haya surgido en Italia y también en España, países con una fuertísima tradición católica.

- Claro pues. Y el manierismo es más chillón, como sus colores, porque la situación que se estaba viviendo era tremenda para muchos. La Iglesia estaba dejando de ser lo que había sido durante siglos. A muchos se les desmoronaba la vida, perdían todo. En los cuadros las vírgenes aparecen con un cuerpo enorme apenas apoyado en una puntita del pie, con colores estridentes: era un imagen de la propia Iglesia.

- En contraste, el Renacimiento y su dimensión humana también fueron un choque: de pronto aparecieron cuadros con María sobre un burro y José y Jesús en la carpintería, escenas comunes, distintas a los juicios finales en el Cielo... Y en arquitectura, Brunelleschi le da a los edificios una dimensión más humana, más pequeña, en contraste con la monumentalidad de la Edad Media y sus iglesias y castillos…

- El Renacimiento fue un movimiento maravilloso, un cambio pocas veces visto en la humanidad. Entre otras cosas, dejó de ser pecaminoso tener flores en los jardines, ¿no es fantástico? Llamativamente, la nueva visión del mundo le debe mucho a Italia, un país católico.

- En definitiva, el siglo XVI fue un siglo maravilloso para la humanidad: en España Velázquez, Quevedo, Goya, Cervantes, Garcilaso… En Italia nace el soneto y tuvieron a Da Vinci, Brunelleschi…  

- Y al gran Miguel Angel y en Inglaterra estaba Shakespeare… Era lo que algunos historiadores llaman “el espíritu de época”, momentos particulares de la historia. Esto pasa cuando el mundo se sacude y reflexiona.

- Otra curiosidad es que en pleno siglo XVI, con el Renacimiento a pleno, España parió una generación de místicos como Santa Teresa de Jesús, Fray Luis de León y el que para mí es el mejor poeta de la lengua castellana, San Juan de la Cruz… Fue como un último coletazo de la Edad Media.

- Muchas de estas particularidades recién comenzaron a ser tenidas más en cuenta hace muy poco, a partir de mediados del siglo XX. El manierismo, hasta la década del ’60 no había sido tomado seriamente en cuenta. Antes era tomado como una decadencia del Renacimiento.

- ¿Es posible que toda esa maravilla se haya dado gracias a que la institución más poderosa de aquellos tiempos, la Iglesia, se vino a pique y esto posibilitó el desarrollo de las libertades individuales?

- Claro, pero con un agregado: el Renacimiento, además, trae consigo un concepto hasta ese momento inexistente: la autoconciencia artística. Y entonces, el artista, como tal, explotó.

- Y empezó a hacer arte ya no atado al encargo de la Iglesia Católica.

- O a los señores feudales.

- Y el artista se da cuenta de que está solo… De esto a la llegada del Romanticismo y su tragedia no hubo mucho trecho.

- Es cuando el artista empezó a llevar a su propia vida la experiencia artística. Y comienza a teñir todo con su emotividad. El alma romántica siente la necesidad de sufrir junto con la vida que sufre.


- Y ahora, ¿qué pasa en la Argentina? Después de la experiencia del Di Tella en los ’60, ¿qué hay de nuevo?

- Como grupo, como movimiento, después del Di Tella no hubo nada. Ellos sabían que estaban haciendo el arte del concepto y no el de la obra. Tenían una plena conciencia de lo que estaban haciendo; había algunos que iban más adelante, pero todos estaban de acuerdo con lo que estaban haciendo. Después de que triunfaron, ya no hicieron grandes cosas. A veces pienso que el artista que se consagra debería morir.

- Algunos artistas deberían aprender a hacer silencio.

- La verdad es que ahora, me conmueven muy pocas cosas.

- ¿Y cómo ves la cultura de Mendoza? ¿Está pasando algo?

- Me falta información para saber si está pasando algo o no con la cultura. Sí te puedo decir que lamento quiénes dirigen la cultura de Mendoza.

- ¿Por qué?

- Porque creo que no son idóneos. Es lamentable lo que está pasando en la provincia.

 

Opiniones (6)
23 de noviembre de 2017 | 18:09
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23 de noviembre de 2017 | 18:09
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  1. es interesante ver que la creación artística no es cosa de cualquiera, es más podemos ver que s´lo algunos son los que nacen con una voz priviligiada, otros menos son los que pueden expresar a través del movimiento coreográfico la danza, la paleta y el pincel no es cosa de tomar y ya está Miguel Angel o Van Goht, estos seres son especiales, para quienes tenemos una idea cristiana es un regalo de Dios el poder distinguirse en las artes. los que no tienen ese don divino no trascienden, son losque pagan para ver arte, son losque lloran ,ríen, se conmueven ante una obra que nadie más puede hacerla tan magnificamente. El artista , a mi entender -, tiene el don divino concedido por Dios, y por más que sea ateo haciendo la del avestruz ,que esconde la cabeza para no ver, las cosas igual suceden de igual menra. Pero el tema no es dicutir cuestiones teológicas, si destacar la diversidad cultural y que es menester que sepas que el arte es un acto totalmente subjetivo. la subjetividad le dió a Miguel Angel la diferencia para pintar la sixtina donde se expresó no sólo los pedidos del Papa sino también su amor e ira a las actitudes de quienes estaban involucrados en semejante obra. Pedro, si no fueras subjetivo serías uno más.Ojalá que nuestras coincidencias y las dicidencias ayuden en pos de tener verdaderos dirigentes culturales que apoyen a quienes viven no del arte sino por el Arte, que te puedo asegurar que Escollo y sus obsecuentes no tienen idea del tema.
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  2. y Hacienda' y ANSES? y Educacion? y Produccion? y Seguridad? y Salud? y Gobernacion? y la provincia de Mendoza? y el IDR? y la FEM? y.y...........y..............y.........
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  3. fuiste directora en el Fader y que hicistes, la parodia del artista , nada mas que eso, fue bien lamentable tu paso como funcionaria
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  4. Señora, exacto, estos tipos no solo no son idóneos sino que tienen una experiencia en Malargüe de devastación de la Cultura, somos nosotros quienes debemos accionar.
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  5. PARAFERNARIA...
    Con el debido respeto, porque todas las opiniones son respetadas si hay honestidad intelectual, creo que atar la creación artística a un don recibido de Dios, es por lo menos cuestionable desde el punto de vista de la historia, teniendo en cuenta la cantidad de artistas ateos. Este punto de vista tuyo es mucho más cuestionable que lo que manifiesta Socorros Cubillos, porque ella reconoce que se equivoca constantemente y lo tuyo es totalmente subjetivo. Coincidimos en que las artes plásticas e incluso la arquitectura, son algunas de las ramas del arte, y que cada artista es irrepetible, como lo es cada ser humano, eso es lo que permite la diversidad cultural. En cuanto a los conceptos no veo contrasentido entre lo que dice la nota y tu idea del arte, salvo que vos lo considerás un acto divino. Yo como artista, creo que es un acto totalmente humano y que saca lo mejor de uno, pero no es ni ha sido en todos los casos a través de la historia del hombre, más allá que a unos les guste un artista y a otros no. También coincidimos en lo de las autoridades, que no sólo son ineptos, sino corruptos.
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  6. la señora y el periodista creo que circundan el arte a la expresión de la pintura, y es una más de las expresiones humanas que nos distinguen de los demás seres. El arte es la expresión única e irrepetible de un individuo, nada tiene que ver con la cultura, si con el Don recibido por Dios, como ejemplo: quién puede bailar como lo hacía Santiago Ayala, no por lo técnico, sino por lo que expresaba en su movimiento coreográfico, quien puede igualar el canto y poesía de Atahualpa Yupanqui, o el sonido expresivo de un Pocho Sosa o el verso del otro Sosa, -no -, habrá otros que lo harán bien, tal vez mejor , pero nunca igual. Eso es arte, la distinción en lo que todos podemos hacer pero que jamás podremos cautivar a la gente, tanto que llegamos a pagar para poder observarlos, escucharlos y aplaudirlos. el Arte es una expresión divina que se da tan sólo en algunos. Respecto a la Dirección de Cultura estamos de acuerdo, son un hato de ineptos.
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